艺路探微
——读吴鹤松油画作品有感
□薛燕
吴鹤松画室掩映在五一路法国梧桐树下那片八十年代老式楼房中。每次去那里，推开五楼斑驳的铁栅栏和玻璃门，置身于弥漫着松节油味、气味的画室中，有一种恍若隔世时空停滞的年代感。然而画室随处可见的几百幅油画，却昭示着画家从未停滞的脚步。吴鹤松是泰州本土为数不多的几十年如一日坚持写生创作的画家之一。从艺四十年，除了教书育人，几乎所有的业余时间他都在写生的路上。本次展览的近八十件作品，见证了他的艺术路径。从里下河平原到西北旷野，从水乡小景到大海星辰，厚重绚烂的笔触静静流淌着画家对山河的热爱，对绘画的虔诚。用油画语言倾诉与表达，已然成为画家生命的本能。
身边的风景应该是吴鹤松最熟悉也是画得最多的题材。节假日，吴鹤松常常一人开着车在城市周边写生。于他而言，远离喧嚣，沉浸于大自然中，思绪倾注笔端，看着眼前的风景呈现于画布，是全身心的放松，也是与自己心灵对话，一种精神上的自足自洽。中式文人的骨子里多少都有“归隐田园”的情结，这是几千年农耕文明沉淀于现代人心底的姿态。他的画面常常不见人影，却处处是人烟痕迹——桃红柳绿下的点点白鹅、油菜花丛中露出的一叶小舟、红墙黑瓦前的一畦绿油油菜田……这些水乡寻常的小景，经画家定格于画布之上，呈现温情而亲近的鲜活视觉感受，让人在宁静画面深处听见热烈的生活底色。
园林也是吴鹤松钟爱的表现题材。他的园林写生，多为小品，尺幅不大，构图多撷取园中一角，看似随意，实则精心。松石、小廊、亭台等中式经典元素几乎出现在每一幅画面中，这些元素的组合时而舒朗、时而缜密，伴随着符号化的竹影、树形，涤荡观者心灵，正如沈周题画诗中所云“石丈有芳姿，此君无俗气。其中佳趣多，容我自来去”，即使是孤置的一片太湖石、一池吹皱的碧水都意味深远，耐人琢磨。幽深的曲廊、斑驳树影无限延伸，突破园林本来狭小的空间，将目光引向画面之外，将观者的心带去悠远宁静的无限空间。明末大收藏家卞永誉评画的一个重要标准是画面的“静”气。他认为画面要有“山静日长之意”，中国艺术极力创造的静寂的意象，是为了作品能超越时间的流逝，在静境中品味永恒。在吴鹤松的园林油画中，能品味到这股“静”气。他擅长用蓝绿冷色调——一种让观者瞬间内心平静的色调。湛蓝的天空下，掩映着绿树老藤白墙黑瓦灰石青竹，偶尔点缀几条池塘的红鲤，几缕暖色的斜阳，瞬间就是永恒，当下就是全部。这种意境的营造与画种无关，与油画笔或毛笔无关，我想这是画家内心的自然流露。那画面中大片纯度极高的天空蓝，是否可以理解为国画中的留白，他对阳光折射下斑驳树影不厌其烦地描绘是否可以理解为中国画中的水韵墨章？油画颜料极富质感的肌理和松节油流淌的痕迹在他的画面中散发出意味隽永的中国味道。这是画家在长期创作实践中形成的熔铸中西的油画叙事语言，也是他自然构建起的温情宁静而具有美学张力的独特世界。
在风景创作中，吴鹤松的创作视野逐渐从家乡近景延伸至广袤的祖国大地。他数次自驾远赴西北、沿海等地采风，雪山草原戈壁的雄浑博大、海天相接的苍茫旷达对画家的心灵冲击无疑是巨大的，也激发了多样的表现形式。在这些作品中，我们可以清晰看到科班训练形成的学院派底色——扎实的造型、丰富的层次，细腻沉稳的表达。对油画材料的娴熟驾驭为骨，中式审美的写意气韵为魂，东方艺术的审美意境在画布上自然交融——坚实的具象塑造中透着空灵，精准的光影捕捉里藏着留白，最终凝练成“沉静质朴、隽永悠远”的美学个性。
在人物画作品中，画家聚焦造船工人等普通劳动者的身影——用类似中国画工笔的细腻写实技法深度刻画了劳动者的特征：浸透汗水的褶皱工装、饱经风霜的面庞、尘土覆盖的双手……这是一种对平凡生命的平等凝视与尊严赋形。正是这份不带滤镜的真诚，让每一个平凡身影在画布上获得了超越时间的分量。
笔者本着对艺术的敬畏之心策划本次展览：既是对吴鹤松创作生涯的一次深度回溯，更是一场邀您共赴的“心灵之约”。杨绛先生有一句名言：“我们曾如此渴望命运的波澜，到最后才发现，人生最曼妙的风景，竟是内心的淡定与从容。”安顿自己的心灵或许是每个人一生的终极命题，当我们沉浸在吴鹤松的油画世界中，看到的不仅是画作，或许更是我们内心深处那个渴望安顿的自己。
本次展览名为“见松”，“松”是鹤松之名，是松风之意，更是松弛之心。愿每一位走进展厅的人，都能在这一方油画天地里，放慢脚步，松开心绪，在风景中，遇见从容的自己。