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《敦煌狩猎图》 纸本设色 谢晓冰
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《宫乐图》 纸本设色 谢晓冰
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《荷韵》 纸本设色 谢晓冰
纸本设色
谢晓冰
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《骑马飞天图》
纸本设色
谢晓冰
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《敦煌驯马图》 纸本设色 谢晓冰
广州日报全媒体记者陈运成
在丝路深处的敦煌，千年壁画不仅是历史的定格，更是艺术生命延续的“活水”。当代画家谢晓冰初次踏入莫高窟，便被敦煌艺术深深震撼，从此开启了他将敦煌美学融入个人创作的漫长求索之路。他展现了一条从临摹到创新、从传统走向当代的艺术路径。
在他看来，敦煌不仅是色彩与线条的宝库，更是中西文化对话的历史见证。面对这座艺术高峰，当代画家应如何“深挖”其精髓？是浮光掠影地借用符号，还是沉潜其中实现精神融合？谢晓冰以自身实践给出了回答：既要扎根传统，又要面向当代；既要保持东方线条的独特韵味，也要发挥现代色彩的丰富表现力。他认为，敦煌艺术的魅力正在于其绚丽的色彩、流畅的线条、生动的叙事和深厚的文化内涵。当代艺术家不应止步于符号的借鉴，更应深入挖掘其精神内核，在传统与现代、东方与西方之间，找到属于自己的艺术语言。
本期对话，让我们跟随谢晓冰的创作历程，聆听他与敦煌的对话，共同探寻敦煌艺术如何在当代持续焕发新的生命力。
广州日报：谢老师，您第一次亲临莫高窟给您带来了怎样的视觉和心灵感受？
谢晓冰：第一次去的时候确实比较震撼，被敦煌艺术的魅力深深吸引了。我们先坐火车到兰州，再转车到敦煌。一路上感受着地质的变化，到了敦煌市，感觉这个小城市真不错，干净整洁，市区里居然有一条河，绿化也挺好，那时候游客很少。在路边摊烤点羊肉串，喝点当地啤酒，感觉非常舒坦。第二天，经朋友介绍，我前往沙漠深处的莫高窟。那时候敦煌研究所没几个人，就是一个小院子带着几间平房。早上太阳出来后，他们带我进去，用反光板把阳光反射到洞窟的壁画上，这样就能看清画作。一般到下午四五点太阳下山，我们就回去了。
广州日报：在您看来，敦煌艺术最吸引您的特质是什么？是绚丽的色彩、流畅的线条、生动的叙事，还是其背后深厚的文化内涵？
谢晓冰：它是全面性的。敦煌壁画刚画好的时候颜色非常鲜艳，像张大千还原临摹的那种，脸画得粉粉红红，反而没有那种高级感。高级感来自历史的沉淀。中国绘画的特点是颜色非常直接，缺乏过渡色，青绿山水就是这样的。相对而言，西方油画更懂得灰色调的珍贵，层次也更丰富。在我的画里，一种红色能分辨出很多种不同的红，有朱砂、朱磦、橙黄等等，色彩极其丰富，包括暖色调里有冷色，冷色调里有暖色。这正因为我们接受了系统的西方绘画色彩训练，吸收西方油画和印象派的东西，然后将其融入自己的绘画中。从这方面看，我们比古人有先进性，而古代工匠的眼界则有其局限性。
所以，学习敦煌艺术，除了传统绘画功底，还需要色彩能力、造型能力和线条功夫，缺一不可，否则就会很吃力。当然，画家可以选择自己擅长的方面去发挥，扬长避短。
广州日报：从中国美术史的角度看，敦煌艺术是跨越千年的中西文化融合结晶。这种“融合”与“对话”的特质，对当代画家的艺术创作有何启示？
谢晓冰：敦煌艺术是一个大融合的艺术宝库。我们画画时，可以用现在的西方绘画理念融入其中。敦煌壁画有很多图腾图案，对于平面绘画、工艺设计都是取之不尽的艺术养分。比如人民大会堂的设计，就引入了敦煌壁画的图案。还有服装设计、珠宝设计中，菩萨的首饰都非常精彩，很多图案都可以运用和参考，几乎艺术的各种门类都可以从中借鉴。敦煌的书法特点，去研究的话一辈子都不够。艺术家一旦深入沉进去学习，在某一行业就可能成为专家。
所以，敦煌是个宝库，但很多现代艺术家不知道如何真正沉入进去，大多只是从书本上翻看一下，浮光掠影地旅游一趟。没有真正去感受那种历史感，就很难发挥出来。只有深深扎进去，才能真正学到东西。
广州日报：敦煌壁画采用的矿物颜料等传统工艺，是否激发过您对当代绘画材料与媒介的实验探索？您是否有尝试将传统技法与现代材料相结合？
谢晓冰：敦煌壁画运用了很多矿物颜料。离敦煌不远，大约四五十公里的地方有座山，所有的原料都是从那里挖掘出来，工匠就地取材，研磨后运用到壁画上。
在我的创作中，基本上就不择手段了。我认为哪个颜色更合适、更接近、质感更好，就用哪个。有时候会运用丙烯颜料、广告色，还有岩彩，甚至用到日本的一些新岩。因为在当下社会，没必要非得像上千年前那样去画画。画画也是为了满足当下的视觉需求，而不是纯粹去复原壁画并放进博物馆。我考虑更多的是如何让更多老百姓和市场接受。
没有人非要强调你是用什么材料画的，需要的是内容和视觉达到最终的效果。现在创作比较自由，除非特别强调，比如博物馆有要求，必须按照复原手段，比如先做底，用皮麻，再覆盖做出质感，然后勾线，填矿物质色，贴金箔等等。
广州日报：谢老师，您认为目前敦煌艺术对当代艺术家的影响是符号化元素的简单借用，还是更深层次的精神融合？我们如何真正理解敦煌文脉的传承？
谢晓冰：对于中国画和西方绘画怎么往前走这个问题的艺术探讨持续至今。
敦煌壁画处于丝绸之路的交界点，吸收了很多外国元素。早期的壁画中印度绘画的元素也很强烈。我想当时的工匠也不全是华人，可能有西域来的、国外的，还有印度的工匠。这说明当时经济很繁华，而且是供养制。我认为叫“供养菩萨”，就是你画的菩萨本身可能有真实存在的原型。当时那些贵妇出钱，她们穿的服饰也是真实存在的，供养人的形象也是按照本人画在墙上的。
必须说，是经济决定了艺术，任何时代都这样。敦煌如果经济不发达，没有人供养，也完不成这么大的艺术体系。所以，不能说艺术和经济挂钩就很俗。其实没有经济的推动，艺术家根本走不动。在清代，江浙一带经济发达，就产生了大量职业画家，经济环境带来了艺术的繁荣。
齐白石的画颜色越来越鲜艳，题材喜庆，红花墨叶，加上画得很细的小虫小鸟，这是卖点。历史上的徐渭、八大那样，画画简直就是一种情绪发泄，那是另一回事。
广州日报：您自己的绘画除了吸收敦煌元素之外，独创性在哪里？
谢晓冰：我的画有独创的地方，第一印象就是色彩。我个人对色彩的敏感度比较高一点，色彩感觉好。这也是学不来的，是天生的。既然是我的强项，我就发挥到极致。再说早期年轻的时候画过很多油画，造型能力也比较强。我读中专时学过工笔画、油画。后来分配到大学当老师，又比较注重书法练习，书法还获了一次全国二等奖。有了书法线条功底后，我开始画国画，画写意这些东西，这是一个非常正常的延续。回到国画创作后，我开始思考：自己的色彩强项丢掉是不是有点可惜？我那时画写意画得也不错，但总觉得和别人没区别。我要画出自己有特点的东西。
去到敦煌学习后，我把敦煌绘画的元素都融进我所有的画里。我的画虽然具有色彩的丰富性，但始终保持着线条的独特性。因为线条我觉得是东方艺术的独特存在。控制好色彩和线条这两个画面元素，无论画什么，我都是这样去表达的——我觉得这样似乎有点自己的个性。
以后的路还得朝这个方向走得更极致一些。这种绘画样式现在市场接受度还是可以的。我认为画画能养活自己，我觉得挺开心的。
广州日报：在您多年的探索过程中有没有什么困惑？画敦煌系列有没有遇到瓶颈之类的？
谢晓冰：所有的困惑就是画画感觉画不下去的时候，推不动了。这时候，说实在的，你只能熬。在熬的过程中，也许你会发现一些吸引你的东西，再往前走。
即使很困惑、不想画了也不要停笔。手放下了就生了。我的意思是每天都要画，艺术创作也好，商品画也好，反正你都要动手，动手就会进步。还有一个，你不要考虑那么多，不要背负太多负担。没事画画，我觉得也很舒服，不想画的话看看电视，或出去走走玩玩、吃点美食，不考虑那么多。我不问结果，画成什么样子不是太重要。我现在这个年龄，画画纯粹就是一种快乐的生活方式。我觉得做画家是一种幸福，比很多行业都幸福。
广州日报：接下来，在您的创作中，希望就敦煌艺术的某个方向进行更深入的探索吗？是否有新的创作计划可以与我们分享？
谢晓冰：其实我现在已经有很多系列了：敦煌壁画系列、戏剧人物系列、仕女系列、荷花系列、花鸟系列。我现在山水画做得少一点，其他题材基本上都画过，已经很广泛了。如果要深入探索的话，我觉得我不可能回到像八大那种讲究笔墨趣味性的绘画形式。我更多的是在寻找形式的趣味性、构图的变化、色彩的无穷变化。画画最后不分东西方。我比较欣赏赵无极的东西，最后把具象的东西都抹掉，成为一种国际性的语言。他的绘画是油画表现，但有东方的韵味，甚至有大写意笔墨的痕迹在里面，达到了那种厚度。
绘画的方向一定和个人的经历、阅历、性格、文化相通。不要逼着自己硬往那条路走，没有那个能力非要那样画，也是徒劳。
当代画家在艺术上可以更自由地发挥，但不要好高骛远——我要成为大师。
特别是中国绘画，只有放松了，你才有时间去读书，精神沉淀下来，你的东西就没有火气。找到一个方向性很难，专注才能有成果。很多人就是因为抓不住人生的重点，没找到方向，这也想试试，那也想试试，最终因精力有限而一事无成。
所有有成就的大家，都是天时地利人和促成的。但是题材美好的东西始终都受欢迎——人民对美好生活的追求，表达美好、吉祥的元素是符合中国审美需求的。
广州日报：对于敦煌美术，除了临摹，艺术家应如何更有效地“深挖”敦煌宝藏？
谢晓冰：我更多考虑的是作品要具有当代性，不能过于超前或完全脱离市场，也不能一味地复原、临摹和模仿。
我觉得我绘画中这种浓重强烈的色彩对比，本身就挺当代的。画面中点线面的变化，包括用色，我都处理得比较轻松，不刻意硬抠。画面里既有细腻的部分，也有粗犷的笔触。色彩的变化其实也很接近印象派，注重冷暖对比与整体协调，这得益于我对色彩的敏感。
你看我绘画中运用这种半紫的色调会让颜色更通透、更显深邃。要能让色彩沉得下去，其中的黑色必须富有变化，这样黑色才能透亮。如果没有系统学习过色彩原理，很难把握这种冷暖色的微妙转变。这种对色彩的敏锐度，是通过长期训练培养出来的。